本报记者 凌 鹤

核心提示

在全国美展中获得奖项的作品，在艺术语言的创新性表现上具有探索和开拓意义，为业界提供有益借鉴和启示。我省画家创作的油画《曹雪芹》、国画连环画《嘎达梅林》在这方面表现突出。由此，作品产生了广泛的影响。本期为读者详细解读这两件作品。

油画《曹雪芹》 以强化景语衬托文人风骨

油画《曹雪芹》由著名油画家宋惠民创作于1984年，荣获第六届全国美展铜奖。

曹雪芹为人类留下了一部伟大的作品，自身却是一位历尽坎坷的悲剧人物。作品描写了丧子后的曹雪芹在西山的茫茫树丛中静坐凝视，满地的落叶与干枯的树枝营造了深秋悲凉肃杀的气氛，以景语强化诉说曹雪芹哀伤与寂寞的心情。但是，历经生活磨难、遍尝人间坎坷，对于强者来说，他的意志将被激发得更为坚定。半生辛酸并没有把他的才情击垮。他的情思、文才，好像画面上绕过巨石仍潺潺流动的清溪，顽强地继续完成巨著。磊磊巨石使人想到《石头记》，也是曹雪芹人格力量的象征。画面上曹雪芹的形象寓坚定于悲痛之中，画出了中国古代文人穷困潦倒而才华横溢的清高之气。富有人情味的形象给观众留下了深刻的印象。

著名画家许荣初认为，宋惠民在肖像画上善于调动情节、形象、环境、色彩、笔触等多种因素，仿似一个导演做好所有案头工作，深入到他将要创造的人物心灵中去。《曹雪芹》中的秋色山野、片片落叶，貌似平常、绝无雕琢之感，但在情绪的烘托和意境的创造上，却是点睛之笔，画出曹雪芹胸中对没落豪门的叹息。这一切反映了画家的一番艺术匠心：他摒弃枯燥的说教，避免事件的图解，通过作品中人物的情绪和自然界气氛的有机交融，使理性精神自然地渗透到感性形象中，体现胸怀和情操。

宋惠民古典基础训练扎实，并注重艺术修养的培养。他始终保持读书习惯，为创作《曹雪芹》，他准备了整整5年时间，在这期间翻遍了能找到的所有红学著作，不断充实形象、提升艺术表现力，待到构思成熟，则集中精力，废寝忘食，感情凝聚于笔端。《曹雪芹》画了一个月，风格雄健、流畅，作品带有明显的关东人大气厚重的性格色彩。其作品符合中国人的审美，色彩鲜明、意境深远、提炼物象精准，用笔大胆概括。中央美术学院教授、著名油画家詹建俊说：“宋惠民要求其油画语言要素紧密依附于精神与情感表达，根据不同作品的需要，使观众体验到不同的情绪和感受，他对光暗与色彩的处理尤其具有特色。”

连环画《嘎达梅林》 以电影艺术表现方法构建画面

国画连环画《嘎达梅林》由著名画家许勇、顾莲塘、赵奇三人共同创作于1984年至1985年，获第六届全国美展银奖。

连环画《嘎达梅林》是根据流传于草原的同名长诗进行改写。全诗的语言凝练、优美、含蓄，有浓郁的民族气息，为画作提供了更加广阔的发挥天地。画作讲述了草原英雄嘎达梅林带领牧民反抗压迫、奋起斗争的英勇、悲壮故事。

为创作《嘎达梅林》，画家们3次深入内蒙古大草原。许勇在日记中写道：“锡林郭勒大草原的夜是这样黑、这样深，我们冷得要命，三人紧紧依偎着，用画夹挡着风。狂风越刮越凶，呼啸着，把我们的沉默也吞没了。”

在草原上，画家们与牧民豪饮，听牧民唱颂他们的英雄，看剽悍的骑手追套野马……深入接触牧民，画家打开了一个新的境界——美的象征、力的源泉。许勇说：“我愿用穷及一生的精力，用我最强的声音来赞美生命，而回响在我乐章中的主旋律是英雄、骏马……”在《嘎达梅林》的创作中，这些英雄、骏马都得到了充分的体现，而且是真实、深入、典型、有个性的体现，塑造了在生活之中、在大自然的怀抱之中壮美的蒙古族英雄形象。

《嘎达梅林》突出的艺术特色是利用文字所提供的舞台，充分发挥艺术才能，调动一切画面，演出扣人心弦的好戏，将英雄塑造得有血有肉。许勇说：“在绘画的过程中，我们经常被主人公的命运牵着走，一次又一次超出预先的设计。画面中不仅为普通战士、牧民以及无名人物安排了许多特写，甚至还为马、牛、羊、狗、骆驼……作了突出描写，还有更多幅以写景、写物为主。不惜如此铺张画面是为了什么呢？是想给主人公和他的故事增加更多生活和情感元素，使之可触可及。我们深信在一定场合，一匹飞驰而过的骏马更能抒发壮士的胸怀；在另一种场合，浩瀚翻腾的云会更好地表达人们的思绪。”

连环画是通过连续的画面向人们叙说故事。《嘎达梅林》的创作者从电影艺术中学到了有益的表现手法，以镜头的跳跃、剪接和特写的运用，加大了容量，产生了立体、交响的效果，向时间和空间迈出了一大步。

艺术微论:

赋予主题审美情操是一种文化自觉

凌 鹤

提到主题创作，相当多的创作者会理解为程式化、概念化的创作。这种理解是浅显、有误区的。

并非只有大型创作才有主题。一提到主题性，往往和宏大、气势、雄壮画等号，但实际上，任何艺术创作都应该有主题。主题是指通过艺术形象表现和揭示出的思想内涵。主题的来源，一方面是题材本身所具有的意义提炼、概括和升华；另一方面是艺术家主体思想感情的移入，凝聚了艺术家对社会生活的理解、思考与评判。中央文史馆副馆长冯远认为，从艺术家放下画笔完成作品的那刻起，其意念和内容就已定格，并且凝结了独特的价值。如果艺术家不希望孤芳自赏、自娱自乐，愿意向公众展示的话，那么作品就具有了社会性、公众性。如果说艺术作品具有陶冶人们情操的审美和美育价值的话，那么，文艺工作者可以和教师一样堪称“人类灵魂的工程师”。因为文艺工作者是通过自己的作品去影响他人，具体来说是通过作品传导艺术内涵、审美元素而发生作用。因此，哪怕一件小小的创作，都不能忽略主题的意义性。

赋予主题审美情操是一种文化自觉。有些人片面地把“主题性”理解为某种观念的说教、迎合，甚至认为是“高大全”。今天，艺术家创作环境优良，艺术家想表现什么、怎么表现都取决于个人认知，但一件吸引人目光、产生愉悦感、催生思考、留下深刻印象的艺术作品，其中必然蕴含丰富的思想内容，并且通过有意味的形式去承载其内涵，这是好作品的必备要素，也是文化自觉的一种自然体现。

鲁美教授、画家许勇是鲁艺精神的践行者和弘扬者，他热爱并擅长历史主题创作，留下大量描绘时代风云与人民生活图景、展现民族情怀与爱国精神的精品力作。关于绘画的主张，许勇60余年的实践始终秉持一个观点：“艺术不能没有主题，形式主义、为艺术而艺术对我来说是不可思议的。”也因此，他的绘画主题鲜明，家国情怀浓烈。他所塑造的英雄，从来不是“高大全”，而是有血有肉的“人”，因为他在作品中注入人生信念、注入历史张力与时代审美，使得英雄精神变得具体可感，既属于历史，又启迪当代，昭示未来。

评论界认为，当下大量主题性创作，普遍存在想象力缺乏的问题。文艺的原创力、想象力和创新性是艺术家创造力的标志，也体现一个民族艺术创造精神的高度和整体活力。梳理艺术史可以看到，在原创力高扬的历史阶段，也是艺术精品不断涌现的时代。审美创造从来不是凭空孤立而生，而是审美主客体与外部交流契合的产物，也是创作者植根生活、体察社会、感悟思想进而加以艺术提炼、概括和想象的结果。离开了审美对象，离开了生活的滋养，离开了思想的力量，艺术创作的主题也无从谈起，将成为无本之木、无源之水。

经典鉴读:

《松风阁诗帖》被誉为“天下十大行书”之一

后人评价：黄庭坚写字如画竹

本报记者 凌 鹤

《松风阁诗帖》被誉为“天下十大行书”之一。作者黄庭坚是宋代书法四大家之一。其书法既代表了宋朝的最高水准，又是中华传世经典。《松风阁诗帖》为其代表作。

《松风阁诗帖》是一首七言诗，纸本，纵32.8厘米，横219.2厘米。全文计29行153字。现收藏于台北“故宫博物院”。

崇宁元年9月，黄庭坚与好友来到鄂城樊山观览，途经松林间一座亭阁之时，夜雨降临，伴着松涛阵阵，黄庭坚感觉身心舒畅，亦让他心中的情感与美景交融。于是，一幅千古佳作《松风阁诗帖》诞生了。此帖作于黄庭坚晚年，风神潇洒，长波大撇，提顿起伏，一波三折，意蕴十足，在《兰亭序》和《祭侄文稿》之外另创一种书风，堪称行书之经典。

纵观全篇，笔画苍劲，风姿绰约，有颜真卿大字笔意，又将颜体缩短的笔画伸展延长，力趋险绝，又从字的结构与整篇章法中求得平稳，最终形成其独特的风貌。其用笔擒纵自如，笔画凝练，无一轻佻之笔，布局精巧完美，中宫收紧，形散而神不散。其章法，被称为“奇诡跌宕，扣人心弦”。字体或大或小，或长或短，或收或放，或藏或露，超逸绝尘。

郑板桥在《题画》中说：“山谷（黄庭坚）写字如画竹，不比寻常翰墨间。”《松风阁诗帖》以“画竹法作书”给人以劲健挺拔、沉着痛快的感觉，风格清劲，出锋锐利，笔画挺拔，纵横穿插。线条一波三折，气势开张，结体舒展，笔笔精到，心手调合。笔墨又如人意，所以出此杰作。

黄庭坚以顿悟见性的思维方式去领悟事物的真谛，进而悟得作书之理。他在《山谷题跋》中说：“晚入峡，见长年荡桨，乃悟笔法。”其意是说，黄庭坚多年为“用笔不到”“笔意痴钝”所苦恼，晚年乘船过三峡，看到船工在一定空间范围内，有节奏地前俯后仰，把船桨推出挽回，一去一返，协调自然。由船工摇桨自然“到位”的动作，黄庭坚悟到了用笔如何自然“到位”。从此，用笔开始如船工用桨般悠然荡漾，一扫“痴钝”的笔意。黄庭坚一生都对用笔极其重视，曾说：“古人工书无他异，但能用笔耳。”