本报记者 凌 鹤

核心提示

清代指头画以其突出的艺术风格丰富了中国画的形式和内容。铁岭籍画家高其佩擅长绘画、书法、诗歌、鉴赏，还是指头画派的开创者。其60余年的绘画实践，使指头画千变万化，既富机趣风神，又富义理章法，自成体系。指头画后继者众，尤其在铁岭，指头画蔚然成风，影响达至海外。

无笔亦生花

高其佩出生于1660年，卒于1734年，是清代杰出画家，官至刑部右侍郎。

高其佩的指画创作题材丰富，艺术表现手法灵活多样。按风格特色可分为三个阶段：少壮时以机趣风神胜，多萧疏灵妙之作。中年以神韵力量胜，简淡古拙，千变万化，愈出愈奇。晚年以理法胜，深厚浑穆，画中丘壑无或雷同。指画之染法变幻莫测，墨之无痕处尤显自然之趣。高其佩的指画清、奇、简淡、浑厚，而神韵却在指墨之外，其艺术成就对后世影响极大。“扬州八怪”中的李复堂得到他的传授，黄慎、高凤翰等都受到他画风的熏陶。

高其佩擅画人物，姿神生动、各具性格。他画山水，随意点染，云烟生绡。兼写花鸟，花解语，鸟含情，十分精妙，奇情逸趣，信手而成。

著名艺术评论家、书画家刘墨谈道，高其佩有一方闲章，上面刻着“因笔有痕故舍之”，解释了其画指画的初衷。意思是用笔总会有人工痕迹，因此高其佩宁愿放弃毛笔。用毛笔画画，大体可以控制，而用手指来画画，却在很大程度上有不可控的一面，“意外”的效果比较多，而这意外的效果，正是艺术家灵性之闪现——这也是画家钟情于指画的重要原因。

突破传统局限

著名书画鉴赏家杨仁恺认为，从高其佩的《采芝图》（中国美术馆藏）中可以有力印证其题材对真实生活的反映。画家以途中行进乞食的盲人为题材，一位年轻人在道旁拾得一枚灵芝，意在献给盲人。这个画面看似简单，但所概括的内容却相当丰富。作为乞食无依的穷苦盲人，是不幸的。灵芝在我国传统中被当作祝福的象征，又可食用，把它和盲人受饥饿结合在一起，表现了作者的人道精神。

高其佩标题材之新，立构图之异，对当时和后来的绘画艺术都有巨大影响。值得一提的是，画家在其所处历史背景下，披荆斩棘，在艺术创作上开拓出新，殊非易事。画家生活的时代，正是“四王”等“正统”文人画派在上流社会风靡一时，效之者大有人在，成为清代绘画传统的主流。高其佩不热衷于“正统”的诱惑，从我国优秀的传统艺术中汲取营养，远则师法明代沈周，很大程度上追摹陈道复，近则接受了明末清初八大山人的影响。“凡所作皆生平经历山川真境，故丘壑无或雷同。”对明清以来仿古的文人习气是一个冲击。

高其佩绘人物有两种笔法，一种近工笔，人物面貌端正，比例匀称，形象颇有古风；一种写意，人物面部扭曲变形，表情夸张，如辽宁省博物馆藏《采芝图》。或仅以简约的笔触略勾轮廓，融于山水背景之中，如一些高士图。这些形象均不注重人物的精细刻画，但抓住人物的突岀特点，以特定的动作神情表现其内心世界，以半甲半肉点睛，点画迅捷，笔简意赅，确有不由人意之妙。

高其佩指下的钟馗，或怒目，或惫懒，或戏谑，其面貌服饰和动作生动传神，如辽宁省博物馆藏指画《怒容钟馗图》和故宫博物院藏指画《钟馗册》，都表现岀这一特点。人物情态配合题诗，使作者的思想感情借钟馗之形象得以表达。指画《怒容钟馗图》作于雍正六年（1728年）端午节，此时高其佩已68岁。画面上钟馗顶天立地，虽不佩宝剑，但圆睁双目，怒容满面，使一切妖魔鬼怪丧心裂胆。作者发挥指画长处，以指甲蘸墨画出刚劲遒利的满颊胡须，长袍的衣纹似在空中飞舞，纱帽的双翅在耳后震动，把钟馗怒发冲冠之神态刻画得惟妙惟肖。而更妙处是画家将钟馗的右手平放胸前，左手托着其宽大的袖口，伸出有力的二指，所指方向与目光一致，把观者引向画面之外，产生无穷的想象。从而将意在画外的中国画独特艺术风格发挥得淋漓尽致。

旅顺博物馆书画部研究员闫建科认为，高其佩指画艺术绘画理论“发于生意，得之自然”，实际上蕴含了荆浩的求“真”和苏轼的“成竹在胸”等绘画理论，并与“外师造化，中得心源”的理论相通。元代明代以来，画家注重笔墨情趣，“发于生意，得之自然”反倒不被重视了。高其佩正是看到当时画坛的这种弊端，才谋求创新，并托之于指画，“万物生于五指间”。他的创新不是没有依据的空中楼阁，有其理论基础。高其佩另有一方印章，“虽放逸乎规矩之外究不离乎准绳之中”表明他作指画不是为了炫技猎奇，而是在继承传统基础上的创新和发展。

画家颜崇强说：“为达到艺术的真切纯真表达和艺术理想的境界追求，绘画表现方法可以多种多样，这应该是高其佩指画艺术留给后人的宝贵艺术经验。”

传承创新后继有人

高其佩生前曾在安徽、四川、北京任职，其眼界和绘画经验融会南北，独辟新意。但其家乡情结浓厚，绘画落款多为铁岭高其佩，可见一斑。

手指画创始至今，已逾300年。高其佩之后，涌现了大量的指画作者。如现代著名画家潘天寿，其指画造诣高超。在铁岭，设有专业学术机构——中国指画研究院，成为地方的文化名片。院长杨一墨是当代著名指画家，带领指画创作者继承与开拓并重，深入生活，反映现实，从而赋予指画以新的生命，焕发出时代光彩，创作成就突出，影响远及海外。指画是中国画坛上一颗生命力独特的种子，正蓬勃生长。

经典鉴读JIANDU

苏轼《黄州寒食诗帖》

开一代“尚意”书风

本报记者 凌 鹤

《黄州寒食诗帖》是苏轼行书的代表作，被誉为“天下第三行书”。手卷共129字，现藏于台北“故宫博物院”。

《黄州寒食诗帖》是苏轼被贬黄州第三年所作。诗写得苍凉多情，表达了苏轼惆怅孤独的心情。此诗的书法也正是在这种心情和境况下，有感而出。通篇笔法起伏跌宕，气势奔放，无荒率之笔，在书法史上影响极大。正如黄庭坚在此诗后所题跋：“此书兼颜鲁公、杨少师、李西台笔意。使东坡复为之，未必及此。”是说此为苏轼最佳的作品，再写就很难超越它。

全帖字形欹正参错，或大或小；结构左右疏密相间，时紧时放；运笔浑厚中带俏丽，圆转中又见劲挺，布白时疏能走马，密时不通风，浑然天成，自然生动，形成强烈的节奏韵味，反映了他的感情起伏波动，或冷如死灰，或悲情愤慨；有时仰天叹息，有时不甘压抑，是当时苏轼感情的生动流露。特别是后半部分，诗情驱使挥运之笔，字形展大，心境与书境合一，笔墨沉雄。

苏轼的书法早年学“二王”，中年以后学颜真卿、杨凝式、李北海，自成一家，以行书见长。

著名美学家李泽厚在《美的历程》一书中评说：“苏轼在美学上追求的是一种质朴无华、平淡自然的情趣韵味与生活态度，反对矫揉造作和装饰雕琢，并把一切提升到透彻了悟的哲理高度。”

明代书法大家董其昌评论北宋书家以苏轼为第一，实非虚谀。

“我书意造本无法”，苏轼深刻认识到所谓“法”都是随着不同的审美观、不同的创作原则而不同，一成不变的法是死法，所以他认为变法才能出新意。

著名书法评论家张瑞田认为，书法的文辞之“境”极其重要，这一点，在苏轼身上体现得淋漓尽致。“退笔成山未足珍，读书万卷始通神。”这是苏轼的诗句，意思是读书有学问，比功夫深还重要。黄庭坚曰：“余谓东坡书，学问文章之气，郁郁芊芊，发于笔墨之间，此所以他人终莫能及尔。”苏轼和黄庭坚谈的都是书法的文辞之“境”。书法有了文辞之境，其墨韵之“意”才有味道。由此，苏轼成为宋代“尚意”书风的重要开创者。

艺术微论

书法重在 “无意于佳乃佳”

凌 鹤

“无意于佳乃佳”是北宋文豪、书画家苏轼的美学观点，千古流传，深得艺术家认同。这里有三层含义。

一是此“意”是说不刻意。具体指书法艺术而言,是说最初学书时，不要执拗于求佳而忽略了书写的本质。而是要有正确的心态，放松心情，投入于书写。

二是随着放松投入的书写和感悟，积淀技法的表现能力和艺术素养，最终自然而然达至佳境。

历史上被誉为“天下第一行书”的《兰亭序》，“天下第二行书”的《祭侄文稿》，“天下第三行书”的《黄州寒食诗帖》，均为书法家“无意于佳乃佳”的经典作品。

王羲之微醺时创作出《兰亭序》，技法表现与文辞风采堪称完美，史传王羲之后来几次写《兰亭序》都不能超越最初的版本，于是世人感叹“神品出天然”。艺术不能复制，携灵感与情感同行的创作笔墨功夫是自然呈现，一气呵成。

颜真卿悲怆至极时创作了《祭侄文稿》，其情感的饱满、不可抑制、笔墨的极限发挥，都是自然天成的结果，书写时，没有一丝一毫关于佳与不佳的考量。而这一切的前提是，笔墨功力与修养早已在经年的实践探索中积深、积厚，在特定的创作时刻喷薄而出，一泻千里，艺术高度与感染力是“出新意于法度之中，寄妙理于豪放之外”。

苏轼的《黄州寒食诗帖》亦是心境与书境合一、“无意于佳乃佳”的典范。

三是注重人格养成，祛功利心和俗气。书法是文化的外化，书法家应有一颗文心。由此，笔墨才会富书卷气、文气，不流于庸俗、媚俗、粗俗。线条中才会有骨力、精神，而不是油滑、轻浮。书为其人，人是核心和根本。

唐代书法理论家虞世南在《笔髓论》中说：“书道玄妙，心资神遇，不可以力求也；技巧必须心悟，不可以目取也。”孙过庭在书谱中也言，“同自然之妙有”的作品，“非力运所能成”。

所以说，“无意于佳乃佳”是艺术的极高境界，是意与法的高度合一。